Sind Dichtung und Wahrheit in Deutschland zu trennen?

Während “Shakespeare in Love” als Meisterwerk gefeiert wurde, ist “Goethe!” erstmal mit negativer Kritik konfrontiert worden. Beide Filme nehmen es mit der historischen Wahrheit nicht allzu genau, stattdessen feiern sie ihre Hauptfiguren und deren Werke zeitnah mit viel Leidenschaft und Begeisterung. Dem älteren Goethe-Liebhaber mag die Szene nicht unbedingt gefallen, der jüngere Filmbesucher schmunzelt wahrscheinlich, wenn der Filmheld Goethe mit geschickten Schritten die Worte “Lecket mich” für die Professoren, die ihn kurz zuvor durch das Staatsexamen in Jura fallen ließen, in den Schnee schreibt. Philipp Stölzl präsentiert uns den Dichterfürsten hier als jugendlich und frech. Dabei erzählt er eine an den Mainstream der heutigen Unterhaltungsfilme angepasste Liebesgeschichte über Goethes Geschichte vor dem Durchbruch und die damit verbundene Entstehung des Meisterwerkes “Die Leiden des jungen Werther”. Freilich werden Geschehnisse erfunden, wie das Duell zwischen dem Filmhelden und seinem Vorgesetzten Kestner, die beide in die gleiche Frau verliebt sind. Aber solche Freiheiten bei der filmischen Umsetzung der Biographie des Ausnahmekünstlers sind nicht als Fehler zu werten. Schließlich handelt es sich nicht um einen historischen Lehrfilm, sondern um ein Unterhaltungswerk, dass nicht vorgibt, eine Dokumentation zu sein.

Eine besondere Klasse

Der Film ist für das deutsche Kino mit besonders viel Liebe zum Detail gedreht worden. Auf die Sprache und die Kostüme der Zeit wird nicht zu Gunsten von Modernität verzichtet, wie es in vielen Theaterstücken praktiziert wird. Man versteht die Geschichte schließlich auch ohne Hilfsmittel, wie sie teilweise schwer zu schlucken auf manchen Bühnen eingebaut werden. Man denke nur an Maria Stuart mit einem Transistorradio im Glaskäfig einer Art britischer Gestapo. Dennoch sprudelt “Goethe!” vor Energie und Frische. Sein Stil verleiht ihm eine besondere Klasse. Es bleibt abzuwarten, wie sehr der Film für die Vorlage zu begeistern weiß. Shakespeare ist immer wieder mal hoch im Kurs und auch sein Kinoerfolg 1998 begünstigte das Interesse der breiten Masse für den berühmten Autor. Hoffen wir für Goethe einen vergleichbaren Erfolg. “Goethe!” könnte dies immerhin bewirken.

1960 erschien ein revolutionärer Film, den Jean-Luc Godard auf der Grundlage einer Geschichte seines zeitweiligen Weggefährten François Truffaut, zu der dieser wiederum durch einen Zeitungsbericht inspiriert wurde. „À Bout de Souffle“ gilt heute als Meisterwerk der Nouvelle Vague und Meilenstein des Kinos.

Der damals dreißigjährige Godard begründete mit „Außer Atem“, der gerade in diesem Jahr auf Blu-Ray erschienen ist, nicht nur seinen eigenen Ruhm, sondern schuf einen der legendärsten Filme der Nouvelle Vague und verhalf seinem Hauptdarsteller, dem bis dato unbekannten Jean Paul Belmondo zu seinem großen Durchbruch. Da der Film, der die Geschichte von einem Kleinkriminellen, der auf der Flucht vor den Behörden ist, da er einen Polizisten erschossen hat , und einer amerikanischen Studentin (gespielt von Jean Seberg) in Paris erzählt, zunächst auf zwei volle Stunden angelegt war, aber aus finanziellen Gründen um eine halbe Stunde gekürzt werden musste, stand der Regisseur mit dem Rücken zur Wand und machte das einzig Richtige: aus der Not eine Tugend. Er war gezwunden, die Handlung zu raffen, was er durch die Anwendungen innovativer Dreh- und Schnittechniken tatsächlich plausibel schaffte. So gilt der Jump Cut als eine Erfindung Godards, die aus den Dreh-, bzw. Schnittarbeiten zu diesem Film hervorgeht. Diese Art, zu schneiden, wird auch heute noch verwendet; ein prominentes Beispiel hierfür ist „Herr der Ringe“. Eine der großen atmosphärischen Stärken des Films war es, dass er nicht im Studio gedreht wurde, sondern dort, wo sich die Handlung abspielte das heißt, vor Ort. Auch ein großer Teil der Dialoge wurde erst vor Ort geschrieben.

Um es gleich vorweg zu nehmen: Der neue Terminator-Streifen, der der Beginn einer weiteren Terminator-Trilogie sein soll, funktioniert ohne Arnie- aber der Actionfilm ändert mit seinem neuen Hauptdarsteller Christian Bale seine Gestalt. Das ironisch-gebrochene Element aus den Schwarzenegger-Filmen fehlt hier völlig. Aber das ist in Ordnung, ironische Gebrochenheit ist im vorherrschenden Zeitgeist nicht mehr zuhause: Es sind harte und finstere Zeiten, die wir erleben. Und dass Bale keinen Spaß versteht, war auch bekannt- der schon legendäre Wutausbruch am Filmset hat das nur noch einmal bewiesen.
Regie führt in „Terminator: Die Erlösung“ McG, der sich vorher vor allem durch Musikclip-Arbeiten bewährt hat. Er versteht es insbesondere, die Atmosphäre der postapokalyptischen Welt, in der der Film spielt, dicht und bedrückend zu inszenieren. Der Film lohnt sich nicht nur für eingefleischte Terminator-Fans, sondern auch für Liebhaber einer trocken ausgeprägten Actionfilms.

Der neue Teil der Star Trek-Saga spielt 160 Jahre vor der Geburt von dem von Fans geliebten Captain James T. Kirk und bildet somit ein Prequel der anderen Kinofilme und der diversen Serien der Star Trek-Reihe. Gerade das macht den Film auch für Einsteiger und im Star Trek-Universum unerfahrene Kinobesucher interessant.

Natürlich bietet der Film auch richtigen Trekkies genug Stoff und Anspielungen, über die sich trefflich diskutieren lassen. Insgesamt orientiert sich der neue Film eher an Plots der ersten Serie und den frühen Filmen der Saga, es gibt aber auch Action-lastige Szenen. Insgesamt ein unterhaltsamer Streifen, der, wie gesagt, nicht nur für Hardcore-Fans unterhaltsame Kinounterhaltung bietet.

Der Film handelt im ersten Teil von der Zeugung und Geburt Rickys, Ozon bedient sich hier zur Darstellung einzelner Versatzstücke des Sozialdramas. Paco und Katie, eine allein erziehende Mutter, arbeiten zusammen in einer Fabrik, in der auch Ricky gezeugt wird. Nach bekannt werden der Schwangerschaft zieht Paco zu Katie und ihrer Tochter und gründen so eine richtige Familie, die allerdings mit den üblichen Problemen des post-industriellen Zeitalters zu kämpfen hat. Nach der Geburt Rickys erhöht sich der Streßfaktor innerhalb der Familie, aufgrund von einer angeblichen Misshandlung des Babys muss Paco das Haus verlassen.
Jetzt beginnt der Film zum ersten Mal damit, die Genregrenzen zu übertreten. Aus dem Sozialdrama wird- ohne zuviel zu verraten- eine phantastische Komödie mit märchenhaften Elementen, die zwar nicht jedem Kinobesucher gefallen dürften, aber die den Film zu einem besonderen cineastischen Erlebnis machen. „Ricky“ wird sie in jedem Fall- positiv oder negativ- überraschen.

Im Zentrum des Films stehen drei polnische Brüder (gespielt von Daniel Craig, Liev Schreiber und Jamie Bell) deren restliche Familie bei einem Überfall der deutschen Wehrmacht ermordet wird und die den Besatzern im Anschluss Rache schwören. Zu dem Zweck ziehen sie sich erst einmal in die Wälder der Gegend zurück und verstecken sich vor den Gegnern. Von dort aus führen sie dann einzelne Attacken gegen das deutsche Besatzungsregime aus und nehmen nebenbei Flüchtlinge jeder Art in ihr Versteck auf…